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Era una mañana lluviosa, el olor a café despertó a Anteo que dormía en la habitación del fondo, mientras Ponte permanecía junto  a la ventana observando las gotas que se desprendían del tejado.  Una alborada en Paris que prometía viejos recuerdos.

Anteo: Hace cuánto estas frente a esa ventana?... con un tabaco en su mano deja salir una bocanada  de humo  y continúa, ¿Qué tanto observas hoy?.

Ponte: Ojala todo permaneciera así tan callado...solo escuchando la lluvia que se comunica a través del sonido de sus gotas, ojala permaneciera todo así por más largo tiempo, a veces la gente le huye a la lluvia e intentan escapar de sus presagios, pero a mí me agrada, porque la lluvia trae consigo instantes de vida en cada gota...aquellas gotas nacen para morir   y en el mismo instante de su muerte nace otra para darle de beber a la tierra agrietada. ¿Por qué no dura más la noche?, cuando todos duermen y yo puedo vivir...vivir lejos de tanto automatismo y de tantas máscaras...

Anteo: No eres más que un insensato, ya dices  cosas sin sentido, como no decirlas si permaneces adormecido viendo y diciendo cada estupidez...

Ponte: jajajajaj...adormecido?, otros son los que permanecen dormidos aun despiertos, aún en actividad, aún andando como maquinas repetidas, como soldaditos de barro de molde imperfecto...

Anteo: Pero te has vuelto loco¡ Adonde quieres llegar¡...al  parecer estás delirando...

Ponte: Esto parece un viejo cuadro de Hukosi, de grandes y bellas olas...pero esas olas vibran, crecen, adelgazan y se rompen contra la roca, como las naciones, como los grandes imperios que también se desvanecen.

Anteo: Definitivamente no hay nada que hacer, tú y tus analogías, debo irme a trabajar tengo una exportación pendiente en el viñedo.

Anteo permanece junto a la ventana contemplando el paisaje, perdido en la inmensidad de un espacio infinito. La lluvia se detuvo y una espesa niebla cubrió el paisaje. En ese mismo instante Anteo recordó el cuadro de  Caspar David y pensó en esa silueta humana perdida en la niebla, una composición mística que le evocaba diversas sensaciones, como  se encontraba él en ese momento, buscando respuestas ante ese paisaje quebrado.

Minutos después alguien toca su hombro. Y se escucha una voz dulce que dice:

-Qué tienes papá?, pareces perdido en el tiempo. Es Zafra una joven de belleza exótica como una de las damas de los cuadros de Gaugin, una mujer mestiza, de ojos expresivos y cabellos oscuros. Nada parecida a Ponte, su madre era una tahitiana que abandonó a Ponte tras no poder lidiar con sus quimeras.

Zafra es una joven hermosa, de rasgos fuertes y belleza particular, estudiante de arte moderno, decidió vivir con su padre ya que quería estar cerca de toda la corriente artística que envuelve Paris, también porque así podía viajar más fácilmente a Alemania e Inglaterra para estudiar el misticismo con la obra de William Blake y de los poetas malditos en Alemania. Conoció la obra del austriaco Rilke gracias a su padre desde entonces es uno de sus predilectos especialmente "Elegías de Duino".

Zafra pregunta nuevamente a su padre que se haya perdido en la niebla tras el cristal de su ventana.

Zafra: Qué haces padre? Qué te sucede? No has dormido bien acaso?.

Ponte: Estoy bien mi vida, no sucede nada, solo ando evocando viejos recuerdos, la noche me torno metafísico y amanecí contemplando y hallando respuestas. Ponte le habla a Zafra si dejar de ver la ventana.

Zafra: Indudablemente los días así son los más provechosos padre. Zafra sonríe como gesto de agrado. Son los más inspiradores. Son los que incitan a grandiosas batallas.

Ponte por fin se aparta de la ventana para acercase a su hija que lo observa desde el sillón, se sienta junto a ella y con una palmadita en su rodilla le responde.

Ponte: Indudablemente hija... Ponte sonríe y agrega...Y a que se dedicará mi perla morena este día.

Zafra: Hoy empezaré un análisis para mi clase de pintura romántica con la obra de Delacroix, encuentro contrastes interesantes y he llegado a varias conclusiones ...Imagínate que hace un par de días estudie las obras de Baudelaire y he llegado a una confrontación asombrosa, mientras que los artistas románticos nacionalistas luchaban por su pueblo, por sus derechos, por la expansión de territorios, Baudelaire en su obra escrita y con su asombrosa poesía caótica nos dirige y nos enseña otra batalla, totalmente distinta a las batallas que se gestaban en el arte de ese periodo, Baudelaire y Rimbaud nos remite a batallas internas, al caos del sentimiento, a la duda. Estos dos personajes en sus obras lidian con guerras interiores, con cruzadas intimas de los oscuros sentimientos de soledad.

El reloj marco las 8 de la mañana, al escuchar sus campanadas,  Zafra se percato de que debía salir y que su búsqueda de respuestas debía empezar muy temprano.

Zafra: Padre debo irme, nos veremos en la noche. Este será un día de provecho...

Panteo: Ve mi perla morena, ya has empezado a librar tus propias batallas.

Zafra sale del lugar y Panteo susurra...

Panteo: Nuevamente todos se marchan y yo me quedo aquí habitando mi soledad.

Por Laura Pisciotti.

Mientras el romanticismo desaparecía como arte innovador se abría paso a una nueva corriente estética en la música, en la poesía y en las artes plásticas. Los escritores y pintores queriendo adoptar las características sensibles de la música aplicaron elementos como la armonía, el tono, etc. Esta corriente artística buscaba sugerir más que exhibir. Claude Debussy tuvo gran influencia de las artes plásticas y de la literatura, haciendo parte del movimiento simbolista pretendían por medio de la música evadirse del mundo, del contexto, de las presiones de la realidad para incorporarse en el suspenso y el sueño. La obra de Debussy no intenta imitar sino reflejar la esencia de la naturaleza traspasándolas al lenguaje musical para estimular la imaginación. Las palabras Imaginación y Naturaleza son constantes en la estética de Debussy. Mientras el discurso de Wagner era “Arte Total” el de Debussy era “Libertad absoluta”, en mi concepto, Libertad absoluta para configurar el mundo desde nuevas perspectivas, desde la naturaleza misma, libertad para la esencia música, nunca vivió de la rigurosidad de las técnicas compositivas. Podría decirse que cada nota posee una esencia, un significado que activa los sentidos al tratar de reflejar la naturaleza en armonías. Debussy no está limitado dentro de una corriente artística, es decir no se podría enmarcar dentro de impresionismo o simbolismo, eso iría contra su concepto de libertad creadora. Debussy influyó en el rompimiento de las estructuras tradicionales de la música occidental comparándolo un poco con la pintura expresionista, la línea empieza a desaparecer, las pinceladas son gruesas, en Debussy pasa algo similar con la melodía es como si la melodía fuera la línea, la melodía se convierte en una textura de colores.

Preludio a la siesta de un Fauno es un poema sinfónico basado en la obra de Stèphane Mallarmé, en el reflejo que hace Debussy de este poema predominan las maderas, el erotismo, la fantasía, de la misma manera suena a melodías muy orientales. Este poema evoca a un fauno que sueña juegos amorosos a la sombra de un árbol, exterioriza mundos oníricos a través de las notas de la flauta. De la misma manera vemos el concepto de Arte Total que introdujo Wagner pues en este video observamos la conjunción de todos los elementos para la sensibilización del espectador que resulta envuelto en un aura mágica de juegos oníricos.

http://www.youtube.com/watch?v=uFRUK2SVeQc

Todo lo anterior lo asemejo con la obra de Phillip Glass actualmente, pues con su obra en la Trilogía Qatsi se manifiesta un despliegue de libertad Absoluta como diría Debussy. Específicamente asemejo la obra de LA MER de Debussy con el fragmento Cloudscape de la película Koyaanisqatsi de Godfrey Reggio. Para mí los une el concepto, la idea de libertad a través de lo sensitivo, de lo orgánico, de la naturaleza y la esencia. El simbolismo de los estados, el caos, la calma y lo turbulento. Los estados del mar y del hombre en confrontación. Finalmente Debussy existía para captar las emociones de la vida en sus composiciones.

http://www.youtube.com/watch?v=7a2K4pcAFIM

GUSTAV KLIMT nació en un lugar cercano a Viena, se considera un pintor simbolista, aunque él se denomina como poco interesante, la mejor forma de conocer a este individuo es a través de su obra y de su particular forma de  percibir el mundo  por medio de su arte. Se considera uno de los personajes más originales de la primera mitad del siglo XX. Compartió estudios con el pintor austriaco Franz von Matsch. Klimt se caracterizó al estar influenciado por el arte egipcio, griego y renacimiento italiano junto a Ernst Klimt y Matsch. Posteriormente se interesaría por el estilo simbólico influenciado por Fernand  Khnopff. Klimt pasó a formar parte de la Sociedad de Artistas Figurativos de Viena, más conocida como la "Casa de los Artistas".

Lo llamativo de este pintor es la figura femenina en sus lienzos, la cosmovisión de la mujer y su evolución hasta concebir un arte original con una mirada retrospectiva de la matrona. El simbolismo esta dentro del estilo neo impresionista, post impresionista o modernista y de cierto modo revalúa el significado del arte a través de la espiritualidad y el misticismo. Su técnica es el friso, de la misma manera elaboró mosaicos y vitrales provistos de color e interpretación.

Esta obra se titula: La Lluvia Dorada, DÁNAE , está basada en la mitología griega.

La figura de la mujer representada por Klimt es carnal y sensual, de misterio y encanto, inmersa en la naturaleza y en el misticismo.

En esta pintura impera el color dorado, es una reconstrucción del mito griego donde Klimt representa la fecundación de Dánae y Zeus como una lluvia cósmica, la mujer se encuentra rodeada de una sofisticada tela que viste medianamente su cuerpo, a su vez deja al desnudo su sensualidad y erotismo. Su cabello rojo contrasta con el dorado de su piel y con el halo fascinante que representa su fecundidad. Una mujer dormida pero de erotismo totalmente despierto.

EL BESO es una de sus obras más conocidas.

Al igual que en la pintura anterior observamos la predominación del color dorado,  en esta fase de la pintura de Klimt se observa el punto de vista de la perspectiva anulado pues en ellas parte de una bidimendionalidad, a pesar de estar cargada de color también posee gran significación, cada elemento ilustrado en cada pintura tiene un sentido y una significación propia. En la mayoría de obras de Klimt la mujer permanece dormida, pero su sensualidad sigue latente y al descubierto. Esta obra está cargada de detalles desde las vestiduras del hombre y la mujer hasta el borde del precipicio en el que se encuentran.

También puede establecerse una interpretación de la pintura ya que a pesar de estar rodeados de una especie de halo dorado, las figuras del hombre son blancas, negras y rectangulares, mientras que las de la mujer son  coloridas y circulares, por lo cual podría establecerse una interpretación a partir del color.

Está obra es denominada LAS TRES EDADES DE LA MUJER.

En esta pintura impera el color dorado, en esta ocasión Klimt ilustra las fases de la vida de la mujer, prevalece la figura de la mujer dormida pero esta vez se refleja su evolución dejando un poco de lado el erotismo y la sensualidad característica de las demás obras, Klimt crea una composición en la cual la tensión se genera en el centro del cuadro, anulando la perspectiva con el uso de un fondo de cierto modo plano y la figura de tres mujer en las cuales persisten los trazos ondulados. A través de esta obra Klimt evoca a la reflexión para entender la naturaleza de la mujer y su evolución.

SERPIENTE ACUATICAS II

En esta pintura persisten las figuras onduladas y los detalles o decoraciones tipo mosaico, las tonalidades ya no son tan brillantes como en las pinturas anteriores sin embargo hay gran presencia del amarillo y de sus distintos matices, de la misma manera hay una persistencia de las flores como atavío de la mujeres. Esta pintura transmite una sensación de suavidad, de fluidez y ligereza pero al mismo tiempo está cargada de significación. En cuanto a la composición ya no está la tensión en el centro de la imagen sino que se desplaza al costado derecho de la pintura en donde se encuentran rostros de mujeres dormidas que remiten a una especie de fascinación y ensueño.

HYGIEIA

Este fue uno de los lienzos más costosos y  polémicos  de Gustav Klimt pues debía representar la ciencia y la salud pero por el contrario las connotaciones que recibió la obra fueron totalmente opuestas. Se observa a una mujer como diosa, con aspecto enigmático, como una especie de hechicera o maga, también se observa un poco del arte egipcio que aplico Klimt en muchas de sus obras esto lo determina el estado de solemnidad de la mujer, en las posiciones de su cuello y manos, de la misma manera el dorado en contraste con el rojo del vestido de la mujer hacen de esta una pieza visual llamativa, la carga simbólica de esta obra se desplaza hacia el costado derecho pues se observa la silueta de una mujer embarazada desnuda y a su vez partes de un cuerpo femenino distribuido a la largo de la zona derecha de la composición de la pintura. En esta obra observamos una pieza mística sujeta a múltiples interpretaciones.

HELENE KLIMT

Este es el retrato de la esposa de Ersnt Klimt, hermano de Gustav Klimt, también pintor perteneciente a la Asociación  de Artistas. En esta obra se observan tonos más suaves con matices pasteles, predomina el blanco y el azul, en esta obra a diferencia de las anteriores se observa un manejo de la luz, hay una composición más sencilla mostrando la diversidad del autor y su habilidad para adoptar diferentes estilos.

LA EXPECTACIÓN, EL ARBOL DE LA VIDA Y LA SATISFACCIÓN

Al observar esta pintura se puede deducir que está compuesta de una visión tríadica de La Expectación, La Vida y La Satisfacción, formado a partir de figuras geométricas a veces con apariencia caleidoscópica que da la sensación de estar observando a través de espejos en forma de prisma. En este friso plantea cuestiones metafísicas, las frecuentes discusiones de la vida y la muerte. También se puede deducir una posición del que mira como es el caso de la mujer de rasgos egipcios, al costado derecho de la pintura, quien ve transcurrir la vida, la muerte y el amor a su paso, de cierto modo también puede representar esa mirada voyerista del que disfruta y se deleita con observar.

SANGRE DE PEZ

Este dibujo es el primero de la revista Secession de la cual Klimt era presidente, vemos trazos simples, ondeantes y ligeros, pero esta vez no se observa la carga estilística del mosaico como es común a lo largo de la obra de Gustav Klimt, es un dibujo sencillo pero provisto de belleza y sensualidad, dando la impresión de fluidez a través de los trazos que representan el agua y de las posiciones ligeras y espontaneas de las mujeres. Hemos observado que en varias de las obras de Klimt se manifiesta el nexo de la mujer con el agua, de cierto modo esto simboliza su relación con la naturaleza determinando una cosmovisión de la mujer en el mundo.

LA VIRGEN

En esta obra puede darse por terminada la fase dorada de la obra de Klimt, en esta ocasión encontramos una gran carga cromática de azules y morados. En este lienzo se observa la perspectiva forzada en la posición de las mujeres y en mi concepto es una especie de insinuación a lo que hay detrás de una virgen. La figura femenina que se observa en el centro del lienzo representa la virgen se podría decir que la paleta de colores que se usa en el vestido de la virgen denota realeza, elegancia y feminidad respecto a la psicología del color. A su lado se observa el contraste del morado con el amarillo o rubio del cabello de otra mujer que da equilibrio y brillo a la imagen. Esta pintura tiene elementos en común con la obra de Las Serpientes Acuáticas pues son dos pinturas en las cuales se observan mujeres entrelazadas de belleza dormida y erotismo a flor de piel.

Para concluir este recorrido por la obra de Gustav Klimt cabe señalar la importancia que le ofrece a la mujer como figura creadora, divinidad y misticismo. Hace una exploración por la mujer desde su sensualidad hasta la constitución de su naturaleza, sus estados, su evolución, el misterio y fascinación a través de líneas y trazos sencillos en algunas obras, otros cargados de significación por medio de una fuerte carga alegórica, otros provistos de color, de contraste, algunas obras con influencias de arte egipcio, griego y bizantino de cual tomó el mosaico como técnica artística, en algunas pinturas se observan formas abstractas y de carga conceptual más arraigadas. Sin embargo el trasfondo de la obra de Klimt al igual que la de los artistas modernos es reflexionar e indagar acerca del mundo que los rodea a través de la búsqueda de nuevas formas de contar o percibir la naturaleza y el mundo del cual hace parte.

Les recomiendo observar este video en el cual se exponen las obras de Gustav Klimt.

http://www.youtube.com/watch?v=yjOLhR04K28

Por Laura Gómez Pisciotti

Estudiante de Artes Audiovisuales.

EL ARTE DE LA MODERNIDAD

Por Laura Gómez Pisciotti

El arte moderno, es el arte de la diversidad del pensamiento individual y liberal. Se manifiesta como un producto asentado plenamente en la percepción del artista sobre su realidad social. A partir de la época Napoleónica y de las nuevas ideas emancipadoras en Francia y Europa, se gesta en la conciencia del hombre moderno la posibilidad  de vivir de manera crítica frente a su entorno; de reflexionar sobre los sucesos y los fenómenos de su vida cotidiana. La filosofía planteó nuevos paradigmas morales y nuevas formas del pensamiento y del conocimiento, la política, la religión, la ciencia y el arte, se transformaron al tiempo con los sucesos que acontecieron a lo largo de la época.

Las guerras, las invasiones, las postguerras y las revoluciones sociales, la transformación urbana, la soledad y angustia serían el motor de las ideas de la nueva era del hombre, época de contrastes y de ambigüedades en la conciencia de los seres, por un lado el culto a la individualidad y al pensamiento de la voluntad con Nietzsche y por el otro, el pensamiento colectivo y de las masas por Marx y los socialistas, sin olvidar mencionar a los anarquistas. Para Marx el individuo es cuerpo y materia que se articula a la maquinaria del sistema de producción y a la sociedad, para Nietzsche es un ser capaz de liberarse de los sistemas sociales y morales.

La unión del socialismo y las ideas de Voluntad de Nietzsche, darían como resultado la peor masacre hacia la humanidad, la cometida por el partido nacional socialista Nazi, que a su vez desplegaría un trastorno en el pensamiento humano durante su postguerra. Aunque bien, esto no concluye que la mezcla de estas dos tendencias del pensamiento; el individual y el social, den como resultado este tipo de ideologías y pensamientos.

Las artes también oscilaron en la ambigüedad del concepto de la libertad, que generó estas dos tendencias morales, la de la necesidad de involucrar al sujeto a una realidad social o la de involucrarlo en una realidad personal, de esta última tendencia tenemos como ejemplo la obra de Van Gogh: "Van Gogh entendía la pintura como vía de modificar la sociedad y como vehículo de salvación personal. Se enfrenta desde una óptica muy personal a una vida que para él resulta frustrante. Los niveles que alcanzó le llevaron al suicidio, en una de sus últimas cartas manifiesta abiertamente cómo la pintura le estaba llevando a la destrucción". [1] La obra de Van Gogh, busca impregnar una percepción muy propia del mundo, indagando así mismo nuevas formas de abstracción y de percepción del color y de la emoción. Esto le despersonaliza del mundo real y le genera trastornos que se involucrarían también en su oficio de artista y su reflexión sobre la estética moderna, su legado, parte de unas nuevas técnicas a un nuevo concepto de la realidad humana, la de la imaginación como vía de escape a la marginación social o intelectual.

Consecuentemente, en el Spleen de París Baudelaire también nos expondría otra  perspectiva complementaria al sentimiento moderno del hombre y del artista, a través de un nuevo sentimiento poético, el de la desolación y la angustia, nos dibuja la relación del hombre con los nuevos espacios urbanos y las nuevas ciudades de concreto, con los nuevos dilemas existenciales que rigen allí. "Un gacetillero filántropo me dice que la soledad es mala para el hombre; y en apoyo de su tesis cita, como todos los incrédulos, palabras de los padres de la Iglesia. / Sé que el Demonio frecuenta gustoso los lugares áridos, y que el espíritu del asesinato y de la lubricidad se inflama maravillosamente en las soledades. Pero sería posible que esta soledad sólo fuese peligrosa para el alma ociosa y divagadora, que la puebla con sus pasiones y con sus quimeras".[2] Baudelaire, describe el estado existencial del hombre moderno, su llamada crisis moral y su percepción desahuciada de dogmas y doctrinas frente al mundo.

El arte que evolucionó en la modernidad, se mantuvo influenciado por cada postura moral y filosófica de la historia, la de la libertad social y la de la libertad individual, es posible decir que cada proceso histórico afectó la libertad desde cualquiera de estas concepciones. Antítesis de estas posturas de la individualidad de Van Gogh y de Baudelaire, algunos otros artistas y pensadores como Tolstoi plantearon que el hombre es libre en la medida en que se adapta a su entorno y aprovecha las limitaciones de éste para su existencia, o como Walt Whitman, que propondría una obra contrastada a la libertad individual, poniendo al hombre en relación armoniosa con las demás sociedades.

Hasta nuestros días, la historia moderna no resuelve en cuál es la mejor perspectiva filosófica para abordar las doctrinas morales, políticas, sociales y culturales. El arte se ha visto impregnado de la conciencia  individual y la percepción del artista sobre los fenómenos de cada época correspondiente a la vida moderna. Sería posible afirmar que el arte moderno es el arte de las posibilidades individuales para sincretizar un fenómeno, frente a la realidad del artista mismo y de su existencia, o a la realidad social que se le impone al nacer. Aún hoy, es incomprensible la condición moderna del ser, las posibilidades infinitas de la existencia y por tanto de la imaginación, pero es posible determinar que el hombre moderno, que tenga conciencia de su existencia, es un hombre angustiado y desde allí busca encontrar el lugar del que forma parte y del cuál es pieza fundamental. 

[1] http://www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/neoimpresionismo/van_gogh.html

[2] http://www.elortiba.org/baude.html